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Autor Tema: BELLAS ARTES  (Leído 5940 veces)

Toreador

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BELLAS ARTES
« en: 24 horas »

He mirado los epígrafes que hay abiertos y me constatado que sobre PINTURA Y ESCULTURA, las bellas artes por excelencia, no tenemos ninguna. De aquí que me haya tomado la libertad de comenzar una nueva con la esperanza que sea del agrado de todos y, esto es importante, para que la utilicemos todos. Gracias.

Para comenzar esta nueva página voy a poner algo sobre el Greco, tan actual este años al cumplirse el cuarto centenario de su muerte.

Es una estupenda explicación con la moderna tecnologia Hi Vip, de su mejor obra conocida en el mundo entero, sin pasar por taquilla ni esperar en la cola. Solo hay que pinchar en el link.


[/b]

 


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Brotes

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #1 en: 24 horas »

Buena idea Tore, entre todos estamos decorando la casa y si hay que ampliarla, se ampliará, con mas espacio y mas invitados. Saludos.
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yuhoo

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #2 en: 24 horas »

He mirado los epígrafes que hay abiertos y me constatado que sobre PINTURA Y ESCULTURA, las bellas artes por excelencia, no tenemos ninguna. De aquí que me haya tomado la libertad de comenzar una nueva con la esperanza que sea del agrado de todos y, esto es importante, para que la utilicemos todos. Gracias.

Para comenzar esta nueva página voy a poner algo sobre el Greco, tan actual este años al cumplirse el cuarto centenario de su muerte.

Es una estupenda explicación con la moderna tecnologia Hi Vip, de su mejor obra conocida en el mundo entero, sin pasar por taquilla ni esperar en la cola. Solo hay que pinchar en el link.


[/b]

 



Me encanta la idea Tore. El Greco es de mis favoritos. Me parece una pintura muy personal. Con unos colores espectaculares. He tenido la suerte de visitar Toledo en muchas ocasiones y, he podido ver este cuadro varias veces. También he visitado su casa-museo, donde se pueden ver cuadros inacabados de apóstoles. Mis pintuta favorita, es el impresionismo. Creo que si tuviera dinero para invertir en arte...no me cansarìa de comprar pinturas impresionistas.
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VANIO

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #3 en: 24 horas »

LAS GRANDES CREACIONES DEL HOMBRE - El Romanticismo / El impresionismo

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blancabianca

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #4 en: 24 horas »

Una estupenda idea tore.
Aquí dejo un enlace con la obra de uno de mis impresionistas favoritos: Camille Pissarro, me encanta.

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Idiosincrasia

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #5 en: 24 horas »

No se si conoceis la obra "Entropa", esta escultura de David Cerny, escultor mas famoso de la rep checa, fue el elegido para hacer la obra conmemorativa de la presidencia checa de la UE. Hizo esto... Un collage con todos los prejuicios de europa. Espana es un pais de cemento, alemania son autovias formando una svastica, Inglaterra.... donde esta inglaterra? Pues no esta, jajajajaja buenisima la cona. Italia, son varios jugadores de futbol tirandose a varias pelotas de futbol, francia esta en huelga, suecia viene en su caja de ikea.... no tiene desperdicio.

Por cierto, como comente el otro dia en el mundo exsovietico el arte moderno (transgresion) es algo exclusivamente de derechas al reves que en espana, al igual que la musica (el punk es el principal simbolo anticomunista), jovenes, colectivos gays y demas. La tridicion esta representada por el comunismo



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yuhoo

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #6 en: 24 horas »

Una estupenda idea tore.
Aquí dejo un enlace con la obra de uno de mis impresionistas favoritos: Camille Pissarro, me encanta.


Aparte de los franceses típicos...tambien me encanta Pisarro, también frances, y Sisley. La verdad es que es España, me gusta Joaquin Mir. El impresionismo me encanta! Ah! Y Beruete!
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blancabianca

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #7 en: 24 horas »

Pues sinceramente, no conocía la obra "Entropa", pero para estas lagunas está San Google simpre a mano. No consigo ver claro todo esto que nos dices, la foto no es muy buena.
Entropa.
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Toreador

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #8 en: 24 horas »

Visita las basílicas papales de Roma.

Amigos: Es incluso mejor que si estuvieras allí.

Puedes hacer zoom con la rueda del ratón para verlo desde mucho más cerca, o pinchando en el + o el - que aparece en la pantalla

También puedes, pinchando con el ratón,  hacer clic y deslizar el ratón hasta 360 grados, ir al techo o al suelo o tomar la perspectiva que quieras.

Merece la pena.

Seguro que nunca lo has visto así, aunque hayas estado allí varias veces.

 
Ves picando con tu ratón en los enlaces:

 
Visita virtual de la Basílica de San Juan de Letrán: http://www.vatican.va/various/basiliche/san_giovanni/vr_tour/index-it.html
Visita virtual de la Basílica de San Pedro: http://www.vatican.va/various/basiliche/san_pietro/vr_tour/index-it.html
Visita virtual de la Basílica de San Pablo Extramuros: http://www.vatican.va/various/basiliche/san_paolo/vr_tour/index-it.html
Visita virtual de la Basílica de Santa María la Mayor: http://www.vatican.va/various/basiliche/sm_maggiore/vr_tour/index-en.html


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Toreador

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #9 en: 24 horas »

Como considero el Alcázar sevillano como una obra de arte, la incluyo aquí en tres partes para que quepa completo. Es una gozada verlo.

Parte primera:

 
Real Alcázar de Sevilla. Galería Dieciochesca:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar34/alcazar34.html
Real Alcazar de Sevilla, Puerta del Apeadero:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar33/alcazar33.html
Real Alcázar de Sevilla, Galería del Grutesco:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar32/alcazar32.html
Real Alcázar de Sevilla: Jardín de las Damas.
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar31/alcazar31.html
Real Alcázar de Sevilla. Baños de Doña María de Padilla:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar30/alcazar30.html
Real Alcázar de Sevilla. Jardín de la Danza:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar29/alcazar29.html
Real Alcázar de Sevilla: Jardín de Troya:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar28/alcazar28.html
Real Alcázar de Sevilla. Jardín de la Galera:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar27/alcazar27.html
Real Alcázar de Sevilla. Jadín de las Flores:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar26/alcazar26.html
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #10 en: 24 horas »

El Alcázar de Sevilla.
Parte segunda:

Real Alcázar de Sevilla, Jardín del Príncipe:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar25/alcazar25.html
Real Alcázar de Sevilla: Patio de las Doncellas dentro del Palacio mudejar o del rey D.Pedro
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar24/alcazar24.html
Real Alcázar de Sevilla, Alcoba Real dentro del palacio mudejar o del rey D.Pedro.
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar23/alcazar23.html
Real Alcázar de Sevilla. Salón del techo de Felipe II dentro del palacio mudejar o del rey D.Pedro:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar23/alcazar23.html
Real Alcázar de Sevilla, Salón de Embajadores, dentro del palacio mudejar o del rey D. Pedro
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar21/alcazar21.html
Real Alcázar de Sevilla. Sala de Infantes dentro del palacio mudejar o del rey D.Pedro.
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar20/alcazar20.html
Real Alcázar de Sevilla. Salón del techo de Carlos V dentro del palacio mudejar o del rey D.Pedro:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar19/alcazar19.html
Real Alcazar. Cuarto del Principe dentro del palacio mudejar o del rey D.Pedro:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar14/alcazar14.html
Real Alcazar. Patio de muñecas dentro del palacio mudejar o del rey D. Pedro:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar13/alcazar13.html
Real Alcázar de Sevilla, Patio de Crucero:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar18/alcazar18.html
Real Alcázar de Sevilla. Palacio Gótico o del rey Carlos I de españa y V de Alemania. La Capilla:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar17/alcazar17.html
Real Alcázar de Sevilla, Palacio Gótico o del rey Carlos I de españa y V de Alemania. Salón de los Tapices:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar16/alcazar16.html
Real Alcázar de Sevilla: Palacio Gótico o del rey Carlos I de españa y V de Alemania. Sala de Fiestas:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar15/alcazar15.html
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #11 en: 24 horas »

El Alcázar de Sevilla.
Parte tercera y final.

Real Alcázar. Patio de Levíes:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar12/alcazar12.html
Real Alcázar de Sevilla. Sala de Exposición de Cerámica:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar11/alcazar11.html
Real Alcázar de Sevilla. Patio del Asistente:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar10/alcazar10.html
Real Alcázar de Sevilla. Sala de Audiencias de la Antigua Casa de la Contratación:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar9/alcazar9.html
Real Alcázar de Sevilla. Cuarto del Almirante:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar8/alcazar8.html
Real Alcazar de Sevilla. Sala de los Abanicos:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar7/alcazar7.html
Real Alcázar de Sevilla: Patio del Cuarto militar
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar6/alcazar6.html
Real Alcázar de Sevilla. Patio del Yeso dentro del Palacio de justicia o del rey Alfonso X
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar5/alcazar5.html
Real Alcázar de Sevilla. Sala de la Justicia dentro del Palacio de la justicia o del re Alfonso X
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar4/alcazar4.html
Real Alcázar de Sevilla. Patio de la Montería:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar3/alcazar3.html
Real Alcázar de Sevilla. Patio del León 2
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar2/alcazar2.html
Real Alcázar de Sevilla. Patio del León 1:
http://www.sevillaen360.es/esfericas/alcazar1/alcazar1.html
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Toreador

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #12 en: 24 horas »

La fotografía y los nuevos sistemas fotográficos en 3D nos acercan tanto lo fotografiado que aunque lo conozcamos sin duda alguna se observa mejor, hasta el más pequeño detalle que muy posiblemente a simple vista pasarían desapercibidos.
Por eso ya este tipo de fotografía muchos las consideren como obras de arte. Por est razón he decidido incluirlas en este hilo.

Hoy es El Escorial.

Para disfrutarlas bien, pinchas el enlace, dejas cargar el programa, pinchas la foto que quieras ver por ejemplo la biblioteca y con el ratón aumentas, alejas o acercas con la rueda del mismo o giras 360º.
Espero que os guste.
Saludos



 
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VANIO

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #13 en: 24 horas »

Muy buenas aportaciones Toreador, empiezo a sospechar que tienes parentesco con los Médecis.  :P
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #14 en: 24 horas »

Con este enlace verás fotos aéreas que son verdaderas obras de arte.
Merece la pena, sin duda alguna.

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #15 en: 24 horas »

Enlace cortesía del amigo Toreador de tronío, grana y oro.
ttp://www.youtube.com/embed/a6W2ZMpsxhg?feature=player_embedded
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« Respuesta #16 en: 24 horas »

Enlace cortesía del amigo Toreador de tronío, grana y oro.
ttp://www.youtube.com/embed/a6W2ZMpsxhg?feature=player_embedded
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #17 en: 24 horas »

EL MUSEO VIRTUAL MAS GRANDE DEL MUNDO

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #18 en: 24 horas »

 



  NO DEJEN DE VER ESTE MARAVILLOSO VIDEO!!


> Este vídeo es una maravilla, además está grabado con
> una técnica nueva 4K, que se utiliza ahora como sustitución a la TV.
> en tres dimensiones.
>
>
list=PL_VFlQR7BSNQTvSG8Ua6rFtS-tyxVenA2
>
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Toreador

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #19 en: 24 horas »

Oberammergau con las fachadas pintadas con gran variedad de motivos, desde fábulas a los religiosos, es algo único y muy digno de ver en Alemania, además de la Pasión que cada 10 años representan habitantes laicos locales.

Picar en el siguiente enlace:


Bayern (Deutschland)-Baviera - yimg.com


Oberammergau es una ciudad que pertenece al Kreis (cabeza de partido) de Garmish-Partenkirchen, en el estado federal de Baviera. Situada en el valle del río Ammer, de donde le viene el nombre. Traducido libre al español sería como algo así: Al lado del río Ammer. . . .

Espero que os guste y lo disfrutéis.
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Toreador

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #20 en: 24 horas »

Oberammergau.

Lo siento, acabo de ver que no se abre, he visto que es un enlace que lleva al Google.
Como creo que merece la pena, os lo mandaré via E-Mail a los amigos cuya dirección tengo, porque de verdad merece la pena verlo.

Les pido disculpas a los demás.
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VANIO

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #21 en: 24 horas »

5-2-16

Antonio López y los 'Realistas' en Madrid, la emoción del instante imperecedero

Antonio López es el representante por excelencia del realismo español de la mitad del siglo XX y el padre de la escuela hiperrealista madrileña. Aunque es sus inicios se dejó fascinar por estilos tan distintos como el quattrocento italiano, Paul Cézanne o Salvador Dalí, en los años 50 se decantó por el imán que supuso para él la corriente realista. En su imaginario encontramos calles y rincones de Madrid que atestiguan el paso del tiempo con la eternidad de su trazo, pero también escenas íntimas en su casa y con su familia, un espacio más cercano y cotidiano.

En esta etapa no estuvo solo. Se rodeó de un fructífero grupo de amigos, una gran generación de gran vitalidad artística, que comenzaron a caminar juntos en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. El Museo Thyssen-Bornemisza los presenta al público con la exposición Realistas de Madrid, que quiere "reconocer el lugar histórico que merece el realismo español como parte de la historia del arte moderno".

Leer más: http://www.libertaddigital.com/cultura/arte/2016-02-05/antonio-lopez-y-los-realistas-en-madrid-la-emocion-del-instante-imperecedero-1276567136/
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #22 en: 24 horas »

12-7-16

Durante siglos los artistas han tratado de mejorar el mundo con sus obras, de generación en generación han ido mejorando y exigiéndose más y más hasta límites que parecen imposibles para un humano, cuadros y esculturas impresionantes que ponen los pelos de punta y estremecen con solo mirarlas, pero de repente todo eso se fue a la basura.

Cada año vemos que alguien cuela alguna cosa en un museo de arte moderno, algunos un cuadro con dos líneas al azar, otros un vaso de agua y nadie es capaz de darse cuenta. Es un claro ejemplo de que el arte moderno no es arte ni tiene calidad alguna.

Muchos artistas dicen que el arte busca sensaciones o reivindicar algo, pero no es lo mismo una pancarta que una obra de arte. Durante siglos artistas han realizado auténticas bellezas que trasmitían sensaciones y tenían algún mensaje, todo eso se ha ido al traste.

Para mí el arte moderno ha sido inventado para que los perdedores que querían dedicarse al arte tuvieran su hueco, gente mediocre e idiotas que sobreviven a base del dinero de otros idiotas. Una coartada perfecta que los auténticos artistas de hoy en día no puedan brillar y que fuesen puestos al mismo nivel que cualquier colgado que le apetece ser artista, una especie de discriminación positiva. Algo que solo traía cosas buenas a ellos y a la gente que quería mercantilizar el arte.

Una clara prueba es que nunca ha habido tanto artista malo y mediocre como ahora, un claro ejemplo de la “mercantilización” del arte, que necesita producir toneladas de pseudoarte debido a que ahora esta es más accesible que antes. Igual que pasa con la música o los libros
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #23 en: 24 horas »

Sorolla en París, la consagración internacional de un genio
22.11.16.-

Tras su paso por Múnich y Giverny, el Museo Sorolla de Madrid acoge, a partir del próximo miércoles 23, una gran exposición que desvela cómo se gestó el triunfo internacional del pintor valenciano.

Estando becado en Roma en 1885, un joven Joaquín Sorolla, de 22 años, conoce al empresario español Pedro Gil Moreno de Mora, gran aficionado al arte. Se hicieron amigos y éste invitó al pintor a viajar a París y alojarse en su casa ese año. Fue la primera de las muchas veces que Sorolla viajó a París –siempre viajes intermitentes–, una ciudad que le permitió medirse con los artistas que triunfaban y que su carrera despegara internacionalmente. Desde entonces era raro el año que no pasaba por la capital francesa (a partir de 1889, acompañado ya por su mujer, Clotilde), visitando talleres de artistas, museos y exposiciones, y presentando obras en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses. En el de 1895, «Trata de blancas» y «La vuelta de la pesca», que el Estado francés adquirió por 6.000 francos para el Museo de Luxemburgo, hoy en las colecciones del Museo d’Orsay.

En los últimos años ha habido importantes exposiciones que han situado a Sorolla en el lugar que merece. En 2009 la gran retrospectiva del Prado le consagró como un artista excepcional, alejado del manido tópico de pintor de playas. Entre 2013 y 2015, se analizó su etapa americana en otra gran muestra que pasó por Dallas, San Diego y Madrid. Pero faltaba aún por contar cómo se gestó su triunfo internacional. Y ése es el tema central de «Sorolla en París». La muestra llega a Madrid tras haber pasado, con gran éxito de público, por la Kunsthalle de Múnich y el Museo de los Impresionismos de Giverny.

Es la exposición más ambiciosa que recala en su casa-museo, cuyas salas ha habido que redistribuir (el problema de espacio se solucionará con la ampliación del museo, ya en marcha) para acoger las 66 obras (30 del museo y 36 cedidas por museos y colecciones privadas) que cuelgan en ellas, algunas de grandísimo formato, escogidas por las comisarias, Blanca Pons-Sorolla (bisnieta del pintor) y María López. Son las obras seleccionadas por el propio artista como su tarjeta de presentación en Europa. Entre ellas, «¡Triste herencia!», con la que Sorolla obtuvo en 1900 el Grand Prix en la Exposición Universal de París, junto a pintores de la talla de Sargent, Whistler y Klimt. Un año después el Estado francés le concedía la Gran Cruz de Caballero de la Legión de Honor y era nombrado académico de Bellas Artes de París.

De los cuadros que presentó al Salón de 1895, cuelga en la muestra «Trata de blancas», de temática costumbrista social, pero no «La vuelta de la pesca», del Museo d’Orsay. Estuvo expuesto en Múnich y Giverny, pero no en Madrid por falta de espacio. Sí está, en cambio, su espectacular «Cosiendo la vela», de 1896. En la Bienal de Venecia de 1905 fue adquirido por el Ayuntamiento de la ciudad para la galería internacional de arte moderno Ca’Pesaro. Sorolla reconocía que era una obra de mucho riesgo. Es la vela la protagonista del cuadro y éste, una de las estrellas de la muestra. Del Salón de ese mismo año, donde obtuvo un gran éxito con sus obras «Sol de la tarde» y «Verano», se exhibe esta última, préstamo del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana.
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Brotes

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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #24 en: 24 horas »

Pero fue 1906 el año crucial para la consagración internacional de Sorolla con su primera exposición monográfica en París. Tuvo lugar en la galería Georges Petit. Este era el marchante de Monet y Rodin. Sorolla presentó 497 obras, de las que se vendieron 75 por 230.650 francos. En agradecimiento, el pintor regaló al Estado francés «La preparación de la pasa en Jávea», que se muestra por vez primera en España. El Museo d’Orsay la tiene depositada en el Museo de Bellas Artes de Pau. Las críticas fueron de lo más entusiastas. «Ha nacido un magnífico pintor. Desafortunadamente no ha sido en Francia. Nunca un pincel contuvo tanto sol. No se trata de impresionismo, pero resulta increíblemente impresionante», escribió Henri Rochefort.

Desde 1906 no volvió a exponer en París hasta 1919, donde presentó 6 obras en una exposición colectiva de pintura española moderna. Incomprensiblemente, no hubo otra exposición de Sorolla en París hasta un siglo después, en 2006, y tampoco fue en solitario. El Petit Palais inauguró un cara a cara entre Sorolla y Sargent, dos grandes amigos. No se entiende este ninguneo francés al pintor que triunfó en París y hoy es silenciado en sus museos. Tras el éxito de la muestra de 1906, Sorolla es ya una estrella internacional: en 1907 expone en Alemania (Berlín, Düsseldorf y Colonia), en 1908 en Londres, y en 1909 comienza su triunfal gira americana (Nueva York, Chicago, Búfalo, Boston y San Luis).

A Sorolla nunca le interesó pintar París, ni siquiera pintar en París: apenas hizo una vista de un bulevar de la ciudad y algunos retratos por encargo, sobre todo para clientes americanos. Fue a París, advierten las comisarias, a mirar y a aprender. Y fue allí donde encontró el camino de la modernidad. Para Blanca Pons-Sorolla, «París contribuyó enormemente a su evolución como pintor. Allí consolidó su estilo, combinando la brillantez y luminosidad del impresionismo; el naturalismo, del que fue uno de los grandes representantes, a la altura de Sargent y Whistler; y la solidez compositiva de los viejos maestros, especialmente de Velázquez». María López añade que «su personal estilo se forjó y modeló en el París de fin de siglo, con formatos más arriesgados, una nueva forma de pintar, instantánea y fotográfica –su suego, Antonio García, era fotógrafo–, y gracias a la influencia de las espampas japonesas, las perspectivas de Degas...»

En París le reconocen como heredero de Velázquez. Lo adoró desde el instante en que vio su obra colgada en el Prado. Fue una revelación para él. «Somos hijos de Velázquez», decía Sorolla. Su paisano Blasco Ibáñez le corregiría:«Nieto de Velázquez e hijo de Goya». La huella de Velázquez es muy evidente en obras presentes en la exposición, como «Mis hijos» (su estructura compositiva recuerda a la de «Las Meninas») y «Desnudo de mujer», una de sus obras más bellas, que evoca a «La Venus del espejo». Junto a retratos íntimos y familiares, otros más velazqueños; sus célebres escenas de playa, marinas pintadas en Jávea, escenas elegantes en Biarritz, La Granja o El Pardo...

Aunque se codeó con algunos impresionistas (admiraba el tratamiento de la luz de Monet), Sorolla nunca se sintió parte de este movimiento. De hecho, despreciaba a sus miembros: «Son una plaga de holgazanes». Curiosamente, no hay constancia de ningún encuentro entre Picasso y Sorolla, dos artistas bien distintos, que se movían en ambientes muy diferentes, pero que conocieron el éxito en ese París bohemio de comienzos de siglo.
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #25 en: 24 horas »

Carlos III y el esplendor de las artes en la Monarquía
6.12.16.-

Una muestra reúne en el Palacio Real de Madrid, en espacios originales, las grandes obras que el Rey encargó. Estará abierta hasta el 31 de marzo de 2017

Pasan los reyes y pasan las épocas, pero quedan las artes. Esta frase que decía recientemente John Elliott en estas páginas hablando de la ampliación del Prado en el Salón de Reinos sirve como anillo al dedo a la gran exposición que Patrimonio Nacional, con patrocinio de la Fundación Banco Santander, ha preparado en el Palacio Real de Madrid. Se titula «Carlos III, majestad y ornato» y reúne 131 piezas en espacios únicos y originales.

Cuentan los comisarios de la muestra -José Luis Sancho, Javier Jordán y Pilar Benito- que visitando la exposición podemos sentir algo parecido a lo que sintieron los súbditos que pudieron visitar al Rey en palacio. Porque con el fin de dar a conocer la riqueza casi infinita de las colecciones reales, se han seleccionado algunas de las obras que Carlos III encargó con el fin de expresar el sentido estético, moderno y cosmopolita que quería imprimir a su reinado, así como las que tuvo cerca por motivos de devoción. Y le acompañan algunos ejemplos maravillosos de las artes decorativas elegidas para sus palacios, incluidas sus estancias privadas.

Desde el suelo a los techos, desde alfombras a frescos de Tiépolo, desde imágenes alegóricas del nacimiento de una era de ilustración y reformas hasta el túmulo fúnebre de los Reyes de la Monarquía Hispánica, en el que se expuso el cadáver de Carlos III (y los de algunos otros Reyes hasta Alfonso XII), esta muestra permite comprender el esplendor que las artes otorgaban a la Monarquía, a la que daban proyección pública y que, a su vez, las protegía como uno de los valores que la permitían perdurar en el tiempo.

No solo se ve en los techos de los palacios pintados por Mengs y Tiepolo, en los que la Monarquía se mira en el espejo mítico de Febo o histórico de Trajano, sino también en el gusto con el que los palacios se reformaron para ofrecer la imagen coherente de un reinado modernizador y cosmopolita.

Hasta nosotros ha llegado el dormitorio del Monarca, recreado con los tapices y los cuadros religiosos de Anton Raphael Mengs, entre los que destaca una verdadera obra maestra: la «Lamentación sobre Cristo muerto», tabla hasta ahora depositada en el MNAC de Barcelona y que vuelve para quedarse en el futuro Museo de las Colecciones Reales. Esta serie de pinturas religiosas ha podido reunirse completa después de mucho tiempo: las que pertenecen a Patrimonio Nacional junto a las que han estado en manos de las colecciones del Duque de Wellington desde el siglo XIX.

Pero si hay un ejemplo perfecto de lo que esta exposición ofrece, es otra de las grandes obras maestras del pintor nacido en Bohemia: el gran retrato de Carlos III que se conserva en el Statens Museum for Kunst y que nunca había salido de Dinamarca. Fue encargado en el país nórdico para una galería de reyes de Europa de la que ya solo quedan siete cuadros -diezmada en los incendios de dos palacios distintos, el de Christiansborg y Frederiksborg- y supone la recuperación del que, en palabras de Alfredo Pérez de Armiñán, presidente de Patrimonio, es el mejor retrato de Carlos III. Ha sido restaurado para la ocasión y muestra al Rey en majestad: de cuerpo entero, con armadura completa y manto de terciopelo rojo y armiños, con broche de diamantes y el cetro y el resto de atributos de la Monarquía Española.

Discípulos españoles
El Rey pasaba solo ocho semanas al año en Madrid y residía según las estaciones en diferentes palacios: Aranjuez, El Pardo, El Escorial y La Granja. En todos ellos hubo un esfuerzo similar por decorarlos. De Goya, el gran sucesor de Mengs y Tiepolo, se muestran los tapices basados en sus modelos para las estaciones. De Tiepolo, bocetos para los frescos de los palacios, con dibujos que son verdaderas obras maestras, junto a otros de Corrado Giaquinto, Mengs y después Bayeu y Maella. Hay una sala dedicada a la caza, única distracción de un Monarca que enviudó nada más llegar a Madrid. Hay muestras de la producción de las reales fábricas de porcelanas, tapices y cristales y otra de sedas chinescas pitadas al temple que junto a los cortinajes diseminados por las estancias, resultan deslumbrantes. Pero a las artes decorativas se suma la pintura, como las alegorías de las horas del día, otra inolvidable serie de Mengs.

El cierre de la exposición, con el túmulo fúnebre y su testamento, firmado la víspera de su muerte con letra temblorosa, da paso a una sala en la que se proyectan en gran tamaño los frescos de los techos palaciegos. La luz que la tecnología ofrece se hace más envolvente todavía con la música de Boccherini que despide la visita.
Tipos populares de Lorenzo Tiepolo

Una de las series más llamativas de la exposición es la de tipos populares de Lorenzo Tiepolo, hijo de Giambattista. Realizados entre 1773 y 1775, muestran un dominio técnico maravilloso y son, en sus juegos de miradas y la gracia de las composiciones, un ejemplo del pueblo sobre el que reinaba Carlos III. Después de 25 años como Rey de Nápoles, impulsó la ilustración en España. El viejo dicho del despotismo, «todo para el pueblo pero sin el pueblo», cobra ante estas figuras algo idealizadas todo su sentido. La serie no se había visto junta desde 1943 y es una oportunidad singular de contemplar obras maestras de la técnica del pastel.
JESÚS GARCÍA CALERO
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #26 en: 24 horas »

Un arquitecto descubre que una talla navarra del S.XIII perdida se va subastar en Nueva York
23.01.17.-

La Virgen de Salinas de Ibargoiti saldrá a la venta el próximo 26 de enero por entre 10.600 y 16.000 euros. «No es un precio desorbitado», dice Ricardo Heras, al que le gustaría que la imagen volviera a Navarra

Ricardo Heras Mulero curioseaba el pasado domingo las piezas de la próxima subasta de arte antiguo de Sotheby's, que se celebrará el próximo 26 de enero en Nueva York, cuando una figura le llamó la atención. Era una talla española del siglo XIII, con una Virgen y el Niño entronizados que, según especificaba la casa de subastas, procedía de la iglesia de Salinas de Monreal, en Navarra. «Me encanta el arte y suelo mirar los catálogos de subastas porque igual encuentras una pieza buenísima que no vas a volver a ver en la vida. En eso estaba cuando ví que la Virgen estaba mal catalogada», explica este joven arquitecto soriano muy vinculado a la Comunidad Foral, donde estudió en la Universidad de Navarra y ha vivido una década.

«Salinas de Monreal ya no existe, el pueblo se llama Salinas de Ibargoiti desde principios de siglo», relata Heras Mulero, a quien este detalle le hizo fijarse en la procedencia de la figura. La talla románica ha pertenecido a la familia de Mina Merrill Prindle (1864-1963) desde 1929. «Se ve que en el historial se quedó el nombre anterior del pueblo», constata el arquitecto.

Heras Mulero investigó esta talla de 90 cms de altura y de madera policromada con oro del primer tercio del siglo XIII, de tiempos de Sancho el Fuerte. «En paradero desconocido, de la Virgen de Salinas de Ibargoiti solo se conocían dos fotografías de principios del siglo XX. Hasta ahora», relata. Graicas a estas fotografías la pieza fue estudiada por Clara Fernández-Ladreda en la obra «Imaginería medieval mariana» (Pamplona, 1990).

«Destaca la gran cantidad de oro de su policromía, muy bien conservada además, lo que da idea de la importancia que tuvo la talla en su día», continúa este experto que explica cómo las tallas rurales «o no tienen oro o sólo en pequeños detalles», no como en la Virgen de Salinas de Ibargoiti. A pesar de que resulta muy complicado hallar datos documentales del siglo XIII, Heras Mulero investiga quién pudo encargar esta imagen que relaciona con «otras Vírgenes forradas de plata sobredorada del XII» que solo se podían permitir en Navarra «los grandes centros como la Catedral de Pamplona y el monasterio de Irache».
« última modificación: 24 horas por admin »
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #27 en: 24 horas »

Unas manos sujetan fachada en Venecia
30.05.17.-

Las fotos de los miles de turistas que recorren las calles de Venecia durante estos días tienen un nuevo objetivo imprescindible que capturar. Desde el Gran Canal emergen dos gigantestas manos blancas que sostienen la fachada del hotel Ca'Sagredo, como si los cimientos del inmueble corriesen peligro de removerse y propiciar el derrumbe de la estructura.

Se trata de «Support» («Apoyo», en español), la instalación que el escultor Lorenzo Quinn ha creado coincidiendo con la 57 edición de la Bienal de Venecia, y que permanecerá a remojo hasta el próximo 26 de noviembre, fechas de esta cita artística. «Quería esculpir la que es considerada la parte del cuerpo humano más difícil, las manos, que tienen muchísimo poder: el de armar, odiar, crear, destruir», explicó Quinn.

Pero lo cierto es que su intención va más allá de la mera iconoclastia. Con «Support», el artista méxico-estadounidense nacido en Roma (y residente en Barcelona) pretende resalta el poder de la acción humana para revertir un problema contemporáneo como es el cambio climático. «Venecia es una ciudad flotante de arte que ha inspirado a la cultura durante siglos, pero necesita el apoyo de nuestra generación y la próxima para seguir haciéndolo», aseguró.
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #28 en: 24 horas »

Subastada en Suiza una tabla de Sijena que llevaba un siglo desaparecida
8.07.17.-
La Adoración de los Reyes Magos», que estaba catalogada como obra de escuela italiana del siglo XVI, se remató en 130.000 francos suizos

Una tabla procedente del antiguo retablo mayor del Real Monasterio de Santa María de Sijena (Huesca), en paradero desconocido desde hacía más de un siglo, ha sido recientemente vendida en subasta en la Galería Stuker de Berna (Suiza). Esta «Adoración de los Reyes Magos», que procedía de una colección particular suiza, pasó desapercibida al estar catalogada como una obra de escuela italiana del siglo XVI.

En el catálogo solo se añadía que la obra, un óleo sobre tabla de pino de 155,5 x 130,5 cm, había sido restaurada. A pesar de esta catalogación, «no hay duda de que se trata de una obra del Maestro de Sijena», señala Carmen Morte García, catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza.

La especialista ha comparado la obra con otras del Maestro de Sijena y ha constatado que existen destacadas semejanzas. «Por ejemplo, la cabeza de San José la encontramos en el hombre con libro de Jesús entre los doctores (Museo Nacional de Arte de Cataluña), la de la Virgen con la peculiar toca y joya en la frente es un modelo que se reitera en figuras homónimas, por ejemplo en el Nacimiento de Jesús (Museo Nacional del Prado)» y similares son también las arquitecturas, instrumentos musicales, el gusto por poner letras en el suelo o en las telas de la indumentaria, destaca Morte en un artículo publicado en el número anual de la revista «Ars & Renovatio» del Centro de Estudios de Arte del Renacimiento.

La catedrática de Historia del Arte reconoce también al Maestro de Sijena en los brocados de los vestidos y en las joyas, como en los pendientes que llevan el rey negro y su acompañante, o en los recipientes que sujetan dos de los magos.

Hay un detalle que llama particularmente la atención de Morte. Dos personajes del cortejo llevan dos hachas de guerra con dos letras inscritas: «f» en la de la izquierda y «p» en la de la derecha. «¿acaso son las iniciales del nombre del pintor?», se pregunta.

Una de las figuras, la del rey mago más joven, podría ser a su juicio una representación idealizada de Carlos I, como ocurre en la tabla de la Epifanía pintada en 1519 por Marco Cardisco (Museo Cívico de Castelnuovo), donde se aclara con un estandarte rojo colocado detrás de su figura, con un águila bicéfala del Sacro Imperio Romano-Germánico y las coronas reales que, en su opinión, pueden significar la unión del imperio de los Habsburgos con la Monarquía hispánica.

«La cronología del retablo mayor de Sijena también permite plantear esta misma hipótesis, dado que se llevó a cabo durante el mandato de la abadesa María Ximénez de Urrea (1510-1521), según el manuscrito del prior Jaime Juan Moreno (Hierusalem Religiosa, c. 1623)», apunta Carmen Morte.

La tabla, que por sus dimensiones debió de estar colocada en el mismo piso del retablo mayor que la tabla de la Anunciación (actualmente en el Museo de Huesca), «salió muy pronto del Monasterio de Sijena» ya que «Bertaux ya no la vio en este lugar en 1908 y comenta que fue "vendida hace unos años"». Desde entonces se ignoraba el paradero de esta obra que fue rematada en subasta en 130.000 francos suizos (unos 119.000 euros).

La asociación Acción Pública para la Defensa del Patrimonio Aragonés ha lamentado en Twitter la noticia. «Lo supimos ayer. Una buena noticia el hallazgo, muy mala la venta», señalaron.
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #29 en: 24 horas »


Es la segunda pieza del expoliado monasterio oscense que ha aparecido en el mercado del arte en fechas recientes. La Sala Balclis sacó de subasta el pasado 31 de mayo otra tabla, «La presentación del Niño Jesús en el templo», tras la denuncia del Ayuntamiento de Villanueva de Sijena (Huesca) por las dudas que plantea su propiedad.

Carmen Morte analiza también esta obra, cuya radiografía ha revelado «las invenciones del “restaurador-falsificador” para darle más valor y una apariencia flamenca a la pintura». La figura del lateral izquierdo «es completamente nueva», al igual que la cabeza femenina con tocado blanco, que según explica la experta citando al profesor Didider Martens, está «sacada de un modelo de Memling» y podría haber sido realizada por la misma mano que la profetisa Ana de la tabla castellana con la representación de la Circuncisión, del Museo Lázaro Galdiano de Madrid. En las dos primeras décadas del siglo XX era habitual este tipo de falsificaciones, que buscaban complacer así a posibles clientes.

Sobre esta tabla «todavía quedan incógnitas por desvelar, como todo lo relacionado con la salida de la obra del Real Monasterio de Santa María de Sijena, la chapa metálica de latón dorado con las letras E G C del reverso o la etiqueta de papel pegada (en parte tapada por el último travesaño)», destaca Morte. Por el texto impreso en esta etiqueta, se cree que la obra fue transportada en ferrocarril en una fecha posterior a diciembre de 1921.
MÓNICA ARRIZABALAGA
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #30 en: 24 horas »

El insecto que tiñó el poder y el arte europeos de ‘rojo mexicano’
29.11.17.-

Junto con la plata y el oro, las primeras naves que zarparon del Nuevo Mundo después de la Conquista española transportaban otro tesoro: un colorante natural que producía un rojo tan intenso que los artistas europeos lo adoptaron de inmediato.

El comercio de este pigmento produjo una gran riqueza para la Corona española y proporcionó la paleta de rojos que teñiría el arte sacro y secular europeo durante más de tres siglos.

Una exposición que estará abierta al público hasta el 4 de febrero en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, Rojo mexicano. La grana cochinilla en el arte, rastrea el origen del color desde las zonas montañosas de la Mesoamérica prehispánica hasta Europa. Allí se le asoció cada vez más con la proyección de poder durante los siglos XVII y XVIII. La grana cochinilla decayó en el siglo XIX, a medida que se introdujeron los pigmentos sintéticos, pero más tarde los impresionistas comenzaron a buscarla.
Con base en un simposio de 2014 organizado por el museo, la exposición y su nutrido catálogo reúnen gran parte de los estudios de la grana cochinilla. “Esperamos que tenga relevancia no solo para las obras de arte”, dijo Miguel Fernández Félix, director del Museo del Palacio de Bellas Artes. “Aquí se puede hablar de economía; se va a hablar de sociedad y cultura”.

Desde los grandes maestros venecianos Tiziano y Tintoretto hasta Vincent van Gogh, quienes lo mezclaron para crear muchas tonalidades en decenas de pinturas, los artistas buscaban las propiedades del rojo mexicano, que se extrae de un pequeño insecto llamado grana cochinilla. El carmín, escribió Van Gogh a su hermano Theo en 1885, usando otro nombre para designar a la grana cochinilla, el carmín, “el color rojo del vino, es cálido y vivo como el vino”.
La grana cochinilla es un pequeño insecto parásito que se alimenta del nopal y se cultivaba en México y Perú durante la época prehispánica. La hembra se seca y se tritura para extraer el ácido carmínico rojo, y, al añadir sustancias de distinta acidez, se crean tonalidades que van desde el rosa tenue hasta el púrpura intenso. (El colorante todavía se usa).

La exposición comienza con una pieza de tela que data de tres siglos antes de Cristo y su tinte rojo aún es visible. El colorante se utilizó en los códices prehispánicos ilustrados y en los códices producidos aproximadamente durante la época de la Conquista española en 1521.

Las crónicas españolas de la Conquista se maravillaron con los colores vivos de la grana cochinilla en los productos que se comercializaban en la capital azteca de Tenochtitlán y pronto el primer cargamento zarpó rumbo a España. Hacia mediados de siglo, tal como escribe el curador Georges Roque en el catálogo, la grana cochinilla se transportaba a granel hasta Sevilla, España.

Puesto que la grana cochinilla era la fuente de un color rojo más intenso y duradero que cualquier otro color disponible en aquel entonces, su demanda se disparó como colorante para suntuosas sedas, terciopelos y tapicería europeos.

Luis XIV ordenó que el tapizado de las sillas de Versalles y las cortinas de la habitación real se tiñeran con grana cochinilla. El comercio era tan rico que la grana cochinilla era la segunda exportación más valiosa de las colonias americanas de España, solo después de la plata y más rentable incluso que el oro, de acuerdo con expertos citados por Georges Roque.

Él argumenta que los pintores adoptaron la grana cochinilla para “obtener tonalidades​ ​tan ricas, tan saturadas, tan brillantes, como las que​ ​producían los tintoreros” en los puertos de los albores de la Europa moderna. Sigue...
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Re:BELLAS ARTES
« Respuesta #31 en: 24 horas »

La primera obra europea de la exhibición es La deposición de Cristo de Tintoretto, creada en la década de 1550, en la que el pintor, hijo de un tintorero veneciano, utilizó grana cochinilla en las densas y casi tangibles imágenes de las telas que visten los dolientes.

Al igual que Veronese, Tiziano comenzó a usar la grana cochinilla en sus obras a partir de la segunda mitad del siglo; en la exhibición se muestra su obra Martirio de santa Julia.

Como los venecianos, los pintores que adoptaron la grana cochinilla por lo general trabajaban en ciudades portuarias. Georges Roque menciona a Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán en Sevilla y a Rubens, Van Dyck y Rembrandt en Amberes y Ámsterdam.

La Magdalena penitente de Zurbarán, de mediados del siglo XVII, se muestra reclinada sobre una mesa cubierta con un rico patrón brocado en rojo. Debajo se muestra un brocado español similar, clara evidencia del vínculo entre la grana cochinilla en la tela y en la pintura.

Velázquez está representado con el Retrato del arzobispo Fernando de Valdés, de la Galería Nacional en Londres, enmarcado por una suntuosa cortina roja que simboliza su poder espiritual y temporal.

También en México, los pintores de la Nueva España incorporaron la grana cochinilla en sus obras y en esta exposición se pueden apreciar varios ejemplos, entre los que está una luminosa Virgen de Guadalupe de Cristóbal Villalpando, quien pintó sus atavíos con púrpura intenso, y su obra Los desposorios de la Virgen y San José, en el que la retrata con un vestido rosa tenue.

La escritora Amy Butler Greenfield ha contado cómo los españoles ocultaron el origen de la grana cochinilla para favorecer el monopolio de la Corona sobre ella. Sin embargo, no escatimaban en dar información concerniente a su cultivo y preparación. En el México del siglo XVIII, José Antonio de Alzate, geógrafo y naturalista, publicó un extenso tratado acerca de la cochinilla, que también está en exhibición, junto con su mapa de Ciudad de México, marcado con este pigmento.

Los ingleses también quedaron cautivados con la grana cochinilla, que utilizaron para teñir los tejidos de lana para los uniformes de los oficiales del ejército. Muy pronto, en 1648, el sacerdote y viajero inglés Thomas Gage escribió: “El inglés se asemeja a su sol, rojo, y lo aparenta al vestir de escarlata, siempre que haya grana cochinilla en las Indias”.

La fascinación inglesa continuó: Van Dyck retrató al príncipe Carlos Luis en la corte de Carlos I vistiendo de color carmesí y, más de un siglo después, Joshua Reynolds pintó a Sir James Hodges, oficial londinense, vistiendo de rojo autoritario.

En la caja de pinturas de J. M. W. Turner, también en exhibición, había grana cochinilla. Para ese entonces, el colorante había perdido su asociación con el poder. Más tarde, los impresionistas y posimpresionistas la utilizaron para sugerir luz y sombra. Un pincelazo sugiere la curva de un músculo en el dibujo Dos bañistas de Paul Cézanne. Pierre-August Renoir pintó a Madame Léon Clapisson sentada en una silla roja con una pared escarlata de fondo, en una probable referencia indirecta a los retratos del pasado.

Pero más que cualquier otro artista, fue Van Gogh quien exploró las propiedades de la grana cochinilla en su análisis del color. La exposición muestra una de las tres pinturas conocidas como La recámara de Van Gogh en Arlés, que Van Gogh pintó en esa ciudad francesa hacia el final de su vida. La grana cochinilla en las paredes y puertas originales, que él le describió a Theo como lila y violeta, y el rosa tenue del piso se han desvanecido, pero su intención persiste.

“En fin”, escribió, “la visión del cuadro debe hacer descansar la cabeza, o más bien, la imaginación”.
ELISABETH MALKIN
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